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亚亚 的 大师---丢勒的素描（原创）

   16世纪时，德国文艺复兴时期，出了3位具有划时代意义的的画家丢勒，格吕内瓦尔德，荷尔拜因。而以丢勒最为著名。他是一位，铜版画家，建筑家兼油画家。他的作品在世界美术史上占有重要地位。

 

  这一双手，画得十分精彩。这是一双饱经风霜的手。据说是一个穷人家的哥哥，自己也喜欢画画，为了供养自己的弟弟学画而去做了铁匠，当弟弟学成当了画家以后，哥哥这双手再也不适合拿画笔了。此画为铜版画，也是素描（一切单色画都叫素描）。

看到这么精彩的素描，人们可能会忘记它上面画的骨骼肌腱，肌肉，血管，皮肤，只觉得这是一双充满生命力的手，一双原本是学艺术人的手，但是现在却是一双抡大铁锤的粗糙的手。为培养自己的弟弟而做出了无私的奉献的手！（如果这个故事是确有其事的话）从这双手里我们可以想到很多。。。。这就是艺术作品给人的精神享受。谁能说它不美呢？！

 

  

丢勒的素描作品历来被为视为写实主义绘画的典范，被无数艺术学子作为学习的范本。它不但造型严谨精准，对解剖，结构，体积，质感等等造型因素有非常严格的表现，而且一点不拘板，画的很“松动”，有很强的表现力。请看那个鼻子，与上唇之间的空间感，你怎么看都觉得是有一 段距离的。再看那胡子，画得很蓬松，质感，立体感都出来了，还画得那么自由与豪放。而周围的衣服，帽子和右手则处理得比较虚。突出了中间的脸与胡子。

更重要的是作品把老人的沉思的精神状态表现得很生动。从这张饱经风霜的脸上我们看到的不光是技术，技巧，更可以看到大师对人生的思考，这体现了一种人文主义的精神。

从以下这些素描作品里，我们可以看出，丢勒的基本功是多么的精彩。除了令人惊讶的技术，技巧，更重要的是画得非常生动，富有表现力。这就是艺术的感染力！

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  西方写实的绘画就是要在平面上创造出3度空间的幻觉的一个画种。其根本的秘诀就是素描的功夫。所以，如果您想画好写实的绘画，那就把素描的基本功打打好，把造型的基本功练好了，再加强其它方面的修养，您就可以如鱼得水了。

 

阿尔布雷特·丢勒（Albrecht Durer，1471－1528) ，德国画家、版画家及木版画设计家。少年时曾追随父亲习艺，他对绘画表现出特殊的才能，13岁时就能逼真的画自己的肖像，19岁时为父亲所画的肖像已充分显示他成熟的素描功力，可与达·芬奇遥相呼应。

 

下面这几张虽说是着了色的，但是它的根本还是严格的素描。它与中国画的工笔画不同，它还是用明暗光影的办法去表现各种绘画的元素。画得既严谨而又大气。有很强的表现力。

 

 

 

 

 

 丢勒还是一位油画家，这是他18岁时候画的自画像。

  这也是他的自画像，他对于绘画的钻研精神是值得我们学习的。请注意，他对每一 缕头发的空间距离都做了细心的研究。

 

 

 

 

   油画《四使徒》

    油画  〈亚当与夏娃〉

 丢勒现存的作品有1000余件，包括版画、油画、水彩画和素描。其中，以版画最具影响力。他还是世界上最早创作水彩画的画家之一。    丢勒博学多才，不仅是画家，而且是数学家、机械师、建筑学家，他发明了一种建筑学体系，创立了筑城学理论。作为美术家，他刻苦探索新的美学原理，在透视法和人体解剖学方面卓有成绩，著有《绘画概论》和《人体解剖学原理》。
    在德国，丢勒享有很高的声誉。自1815年始，全国每年都要举办以他的名字命名的《阿尔布列希特·丢勒节》。1840年，政府在他的故乡纽伦堡树立起一座丢勒的雕像。这是德国为艺术家设立的第一座公共纪念碑。德国近年出版的有关丢勒的书籍和画集高达数十万册，并翻译成多种文字远销世界各地。

 

 

 

 

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静中守望 的 分享“2008上海春季艺术沙龙”展览作品

                    今天去看了4月16日开始的“2008上海春季艺术沙龙”，记录了一些展览作品（主要是油画）与网友及时分享。。。。。。

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

        艺术，是人类精神世界里璀璨的明珠，艺术家，是为人们制造精神粮食的高级厨师。

        千百年来，优秀的艺术家和艺术作品，总是受到人们的尊重与喜爱。

     然而，许多艺术家的个人生活，却并不像普通人所想象的那样好。历史上有些艺术大师在世的时候，往往过着穷极潦倒的生活，而死了以后，却身价百倍。音乐家里的贝多芬，莫扎特大家都很熟悉的了。而画家里的梵高更是如此，梵高一 辈子里只卖掉过一幅画，那还是他弟弟提奥“骗”他，寄给他40法郎，说是卖掉了。而如今，世界上价格最高的10幅画里有3幅就是梵高的。那都值几千万美圆啊！

  17世纪绘画大师伦勃朗是一位在世界美术史上有非常重要地位的画家，是和委拉斯贵兹，鲁本斯等齐名的大师。他的高度绘画技巧，对后来的画家们影响很大。但是，仅仅因为他的一件作品《夜巡》，没有迎合社会（准确的说是买主）的需要，结果造成了他后半生的悲惨命运，最后穷极潦倒，悲惨的死去。

  我们先来看看他的几件杰作吧：

《带金头盔的男子》

这个模特据说是他的哥哥。伦勃朗的画往往把光线聚焦在人物的上部，就好像是在墙上打了一个小孔，光线集中打在人脸上一样。画面效果十分强烈。然而暗部的层次，色彩却十分丰富，所以作品非常耐看。这个金头盔的画法也与现在我们的直接画法不同，作画先用厚的白颜料，高低不平的把花纹堆砌出来，等干了以后再一遍遍的用稀油加色彩罩染。画的金光闪闪，人们似乎可以用手在上面敲出“铛铛”的金属声来！肖像那坚毅，沉思的神情也刻画的十分成功。

《扮做花神的画家妻子》

  这是画家妻子的肖像。这是《夜巡》事件以前，画家为自己的爱妻画的肖像，可以看出，他们的生活富足，心情快乐。

这幅参孙被害的画，我已经在前面的文章中做了介绍。大家可去《世界上第一个女间谍与参孙的故事(原创)》http://wxa45.blog.163.com/blog/static/246464200791011651744/edit/    看看。

《那达厄》这是希腊神话中的一个故事。说的是一个国王听预言家说，自己将被自己的外孙杀死，所以就把自己的女儿禁锢在一个古堡里，不让女儿见任何人。可是天神宙斯化做金币洒进了古堡，还是勾引了公主，使她怀孕生子。这是一个被许多画家画过的故事。

此画的光的效果也是很强烈的。

  《显圣》

  《耶稣和门徒们在加利利海上》，这是一则圣经上的故事。耶稣带着门徒们到处传道，船行驶在在加利利海上这时候，耶稣睡着了，忽然起了狂风大浪，门徒们都惊惶失措。他们把老师叫醒以后，耶稣平静的命令风浪，风立刻就停了，浪也没有了。

伦勃朗不但是荷兰人的骄傲，他的画也是世界美术史上的奇珍异宝。

他还画过许多自画像，也许在世界著名的大师里，他是画自画像最多的一位了。这些作品艺术价值很高。

下面2张是他为自己的妻子画的两张像。

标题为《示巴女王》实际上是一幅女人体的创作画。

这幅画的光影也是引用了强烈的明暗，色彩的对比。

这幅肖像画不但技巧很高，人物的神态也刻画的非常好。

  他还画过一些风景画，也都引用了对比很强烈的手法。

 《XX教授的解剖课》

  这件作品是接受画中这些人物的订购而画的。把每个人物都画的很清楚。

   这幅画就是著名的《夜巡》。画的是狩猎协会的一群人正准装待发。作者没有采取合家欢的形式把每个人物都画得清清楚楚，而是把这些人物组成了一个特定的场景，人物有前有后，有虚有实，把这些人物在出发以前兴奋的神情表现的十分生动。

  但是，大家的钱是出的一样多的。有的人被画在阴影里，有的人还只画到了半个脸，所以画画完了以后，买主们拒绝付款，并且由此还引起了一场轩然大波。从此以后再也没有人愿意出钱请伦勃朗画肖像了。画家从此陷入了困境，生活急剧恶化，穷极潦倒，一直到去世。

我想，艺术家也是人，他们的艺术创造离不开资助人，现在许多艺术家如果没有工作，没有工资，那么他们的艺术创作也是不可想象的。所以现在有的画画的人为了卖画，搞起了画的“平民早市”，像卖菜一样，买主喜欢什么，就画什么。这也是另一个极端。

我很钦佩伦勃朗，他是一个真正的艺术家，他对艺术的不断探索，不断创新精神，是我们学习的榜样。

对他的不幸遭遇，我也深表同情。也正因为有了他这样的大师，世界上才有了《夜巡》这样的伟大作品。

《夜巡》   这幅画其实并不是画的晚上，据我的恩师秦宣夫先生说，这幅画其实画的是中午的场景，由于此画一再移主，每次换了主人，就会再上一次上光油，几百年下来，画面越来越暗，就被后人误以为是晚上，也不知道是那个美术理论家给他起了个《夜巡》的名字，直到20世纪，博物馆用了先进的科技手段把多层上光油洗去以后，才发现了真相。

伦勃朗的素描作品也是画得非常棒的。廖廖数笔，就把人物的姿态，神情，人物关系，黑白关系，疏密关系画的非常生动。

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丹青 的 印象主义对现代主义绘画的影响

印象主义对现代主义绘画的影响

       印象主义是由现实主义引出来，又是从现实主义开始走出去的，形成了另一种流派。当现实主义绘画在十九世纪下半叶也就是七十年代日渐衰落的时候，印象主义就出现了。使得二十世纪起始影响了西方现代艺术各个流派。印象主义与现实主义的最大不同在于：现实主义是从画室走出来的，可它发现的是错综复杂的社会；而印象主义也是从画室走出来的，但它所发现的却是情感、色彩和变化万千大自然。印象主义画家是由大自然的科学原理来进行表现的各种色彩构成的，也就是说印象主义绘画的出现也不是仅仅因为一些画家个人主观兴趣追求，而是通过大自然科学上的成就提供了产生与发展的条件。比如太阳能所产生的光波与视觉的关系、光线与色调的关系等，都有了初步的成果，画家们初次知道了光学的物理性能与视觉中的色调、明度和饱和度都有密切的关系，而色调不过是视觉在适宜的光波刺激下产生出来的光谱。也就是说印象派的画家们借用了自然科学中的光学原理，把光作为绘画的主人，认为大自然中一切物体的色彩都是在光的照射下产生的，气候、环境、日夜朝暮都是在不同光的影响下产生的不同色彩。

　　印象派绘画的画家，他们作品的内容和思想性是很薄弱和狭窄的，往往是偶然的。他们还常常以习作代替创作，以感性代替理性。印象派画家在发展风景画方面是有贡献的。在描绘自然风景时，他们追求着光、色和大气的表现，从而使风景画发生了重大的变革，具有清新、明亮、丰富多彩的特点。还有就是印象派通过作品反映物和光所产生的印象。印象派还趋向于更快速以及更现代的绘画手法，风景不再只是作品中简单的背景点缀，而成为画作的主角。当然还不会仅限于这一点，它也是一种对描绘“愉悦”的现实的渴望，通过当时的娱乐活动、大自然的美景以及对光线和瞬间无尽的探究。

　　马奈的《奥林匹亚》，这幅画充分显示了马奈的独创性，虽然马奈并不具备德拉克罗瓦式别开生面的想象力，但他的独创性在于自由的观察方法：“创造形象”的原则和唯己是从的绘画风格。该画结构基于响亮的对比：明亮的前景与暗绿、暗棕背景的对比，裸体的奥林匹亚与着衣的黑妇人的对比。这种无透视感，无阴影层次，以至少了“体积和空间深度”。然而，它却令人不能它对无动于衷，它的色调对比和形象将强烈的作用于观者的想象力。它不是自然的模本，也不是美的典型，它是属于马奈个人的。是马奈独创的。尽管我们不能把形式主义的这笔帐完全算在印象派的身上，但是使艺术的内容与形式的脱离，则与印象派特别是与后印象派的影响有着直接的关系。还有的画家有雷诺阿等等。

 马奈的《奥林匹亚》

　　雷诺阿为法国印象派画家。他的作品题材描绘巴黎生活的喧哗景象和气息，画作色彩鲜丽、节奏明快，画面洋溢幸福感与美感，因此有“快乐画家”之称。他认为绘画不是智性思考的活动，直觉与技巧是绘画的精神本质。然而，他的作品就有《红磨坊街的舞会》和《雨伞》的佳作。

  雷诺阿-红磨坊街的舞会

新印象派的产生与科学中的有关光色原理的新成果分不开的。而色彩现象不仅在于光与光谱本身，还在于感觉上的分割、互补与综合，这也就是生理反应。他们依据十九世纪初新出现不久的光色科学原理，将物体本身包含的丰富色调先分割开来，然后用光谱中的三原色互补原则，再一笔一笔将色彩点到画面中，所以人们称新印象派为“点彩派”或“分割派”，又称为“科学的印象派”。新印象派画家对印象派不满，认为印象派在用色上还不够科学。于是他们提出新的主张：首先是废除在调色板上的调色，主张把原色一点点地用科学的规则排列在画面上，让人眼的水晶体去混合色彩，从而产生对色彩的感觉，这就是毕沙罗所说的“以光学的调色代表颜料的调色”，再者是主张画面具有永恒和稳定的特点，不是瞬间的。所以，也就可以把这种印象派叫做科学印象派。在新印象派的主要代表是修拉等。

　毕沙罗-《蒙特马大街》　

修拉是位创新精神的画家，并且将光与色的表现，他与师辈印象派的技法有很大差异，所有的色彩都不随意点上去的，而是经过分析分割、互相搭配，以及科学的方法平匀交*点到画面中，就如他画的《大碗岛的星期日》就是以这种技法创作的作品是描写一个阳光普照的星期日下午，人们在公园游玩的情景。修拉在这幅作品中已全面使用“点描法”和印象派的画的笔触有很大分别。让人要从近处看可见到全画均以原色的细点组成，没有线条和色块。可是在远处看又可见到完整的形象，而且由彩色的细点组合成一片新鲜悦目的色彩，比一般在调色盘上混合的颜色更鲜明强烈。此作品整体给人一种亮丽、新鲜和愉快的感觉，而画中如真似假的景物又给人一种虚幻的感觉。这是一幅成功的新印象派代表画作。还有一幅是《马戏团》同样以彩点技法创作的佳作。

 

修拉-《大碗岛星期日的下午》

　　后印象派是由于对印象派的不满而产生的。他们认为印象派过分重视客观世界的描绘，只是停留在表面的现象上，所以主张艺术应该区别于照相，要揭示主观世界，重要的不在于写形而在于写意。他们的这种写意的手法是和日本版画及东方艺术的影响分不开的。而后印象派重视的是自我表现，强调变形和夸张，为后来的野兽派、表现派和立体派的发展提供了一些经验。正因为这样，人们才把塞尚看作是“现代绘画之父”。应该在形式上后印象派要比印象派走得更远，使艺术脱离现实生活。后印象派的主要代表画家是塞尚、高更、梵高。以下就是分别介绍他们的不同画风风格以及代表之作：

　　塞尚是法国著名的印象主义画派的画家，又被称为“后期印象派的三大巨匠之一”，其艺术原则成为现代“立体派”和“表现主义”绘画的先导，因而有“现代绘画之父”的称号。他爱画静物和风景，尤以静物最有名，他的构图设计注重形式，通过强调平面性深入的层次实现各部分的相互联系，从而统一构图以外，他还夸张各个棱角、各种曲线以及自然中形式给人的各种错觉。因为当各种形体相互*近时，看起来常常是歪曲变形的。这种变形方法是一种富有表现力的手段，它能传达对事物的感情。然而他那丰富的想象、大胆的独创、热烈的激情，说明他已脱离传统的学院派绘画，也有别于当时流行的印象主义，而预示着一种新艺术的出现。印象主义是追求真实地再现自然，追求瞬间印象和光与色。塞尚虽然也重视色彩，但不大注重光，他追求的是实在的形体和永恒的视觉，他认为自然万物都与球体、圆锥体、圆柱体相似。他对景与物的这种独特体积感的理解与表现，成为后来毕加索立体派的先导理论，他的独特的主观与造型色彩等的见解，也大大区别于强调客观色彩感觉的印象派画家们。后来他成为立体主义的先驱和各种理性化抽象艺术的开拓者。不过塞尚的绘画仍然保留了古典的形式观念，因此严格地说，他只是一把打开现代艺术的钥匙。他也画人物画，他的画不太重视思想感情和个性特征的刻画，与他的静物画有许多类似之处，但其中也有非常洗练、生动传达个性特征的作品。表现自己的主观想象则成为了艺术创作的基本依据。后来许多现代流派都受他的启发。例如：《玩纸牌的人》的作品是着眼于色调和体积的关系和以光色构图为基础的统一风格，他借助冷暖色交替推移的方式构成对象。他还留下的不朽的作品有：《穿红马甲的孩子》、《红椅上的塞尚夫人》、《静物》等。

  　塞尚 -《穿红马甲的孩子》

　塞尚-静物

高更是法国后期印象派的三大巨匠之一。他起步较晚，早期的画追求形式的简化和色彩的装饰效果，但还没有摆脱印象派的手法。后来多次到法国布列塔尼的古老村庄进行创作，对当地的风土人情、民间版画及东方绘画的风格感到兴趣，逐渐放弃原来的写实画法。他厌恶资本主义的文明社会，包括传统的艺术趣味。他不但对埃及古代绘画很感兴趣，而且向往仍处于原始部落生活的土人们的风习和艺术。被称为“原始人产最高典型”。他的作品具有浓厚的主观色彩和装饰效果。他的画描绘了别人没有发现的美——质朴的原始美。他以及的热情非常真诚地描绘了土著民族及其生活。高更的艺术对现代绘画影响极大，他被称为“象征派的创始人”。高更的绘画风格也与众不同，他用不加调和而并置的色彩来表现海岛居民的生活，不强调明暗变化与立体效果，以浓厚色调平涂和装饰性构图创造一种原始性氛围画面，给人以潜在生命的蠕动感，一种永恒性、象征性，并带有神秘色彩的气息。在他晚年时，创造了著名的大型油画如：《我们从哪里来？我们是什么？我们往哪里去？》，表达了他一生的坎坷迷茫和苦闷的心境。他喜欢自由自在而又热情地去画画，使他创造了许多表现土著人风俗的杰作：《海边两少女》、《玛丽亚礼赞》、《土著女人》、《大溪地妇女和鲜艳的芒果》、《手捧水果的女人》、《不列塔尼农妇》、《游魂》、《高更的夫人》等。

　　梵高是后期印象派的三大巨匠之一。他学画起步较晚，他是荷兰人，并且到过巴黎，当时有一股印象主义绘画运动，使他大开眼界，竭力想冲破印象主义的局限性开始探索自己的艺术道路。由于他关心人，要求自己的艺术有益于人，所以不管他运用怎样“任意的色彩”或夸张的造型，他总是注意对象内在的生命，注意人物的性格及其思想。所以他画的穷苦的劳动人民，但是寻找他思想的模特也是不容易的。即使后来被病魔缠身，梵高仍然大量作画，不断地从自然那里吸取素材，把对生活的热情转化为画面中的色彩，用他那常人所没有的火焰般发疯的感情来描绘翻滚的麦浪、旋转的太阳、醒目的林道、可怕的乌云、即使的风景，把他心中的那个永恒燃烧着的自然，用他燃烧着的感情和画笔勾画出一副副奇异非凡的色彩交响画。他的艺术很像中国画中的泼墨上水，他也的确从日本画与中国画那里吸取了许多养分，形似与否是次要的，燃烧的感情表现所产生的艺术魅力是打动每位观画者的关键所在吧。难得的可贵是他对绘画的热爱超过了他的生命。在他的作品中既有故乡荷兰的风格，亦有法国画坛已流行起来的印象主义的影迹。他留下的流传百世的不朽作品：《向日葵》。其它作品如：《吃土豆的人们》、《夜间咖啡店》、《自画像》、《星月夜》等。

　　现代主义的起源，在“后印象主义”中被用来泛指那些曾经追随印象主义，后来又极力反对印象主义的束缚，从而形成独特艺术风格的画家，其中杰出者有塞尚、凡高、高更和劳特累克等。实际上，后印象主义并不是一个社团或派别，也没有共同的美学纲领和宣言，而且画家们的艺术风格也是千差万别。之所以称之为“后印象主义”，主要是美术史论家为了从风格上将其与印象主义明确区别开来。然而，后印象主义者不喜欢印象主义画家在描绘大自然转瞬即逝的光色变幻效果时，所采取的过于客观的科学态度。他们主张，艺术形象要有别于客观物象，同时饱含着艺术家的主观感受。塞尚认为：“画画——并不意味着盲目地去复制现实；它意味着寻求诸种关系的和谐。”他所关注的，是在画中通过明晰的形，来组建严整有序的结构。凡高和高更则专注于精神性与情感的表现，其作品渗透着某种内在的表现力和引人深思的象征内涵。后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，启迪了两大现代主义艺术潮流，即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。所以，在艺术史上，后印象主义被称为西方现代艺术的起源。

　　20世纪以来出现的许多与传统美术流派不同的美术流派统称为现代主义美术。它出现的原因是：20世纪以来，爆发了两次世界大战，给人们的心灵造成了巨大创伤；工业化带来的快节奏生活也加剧了人们的紧张感，使人们不再满足于传统的艺术表现形式；科学技术的发展拓展了艺术家认识世界的视野，他们开始用新的表现形式和艺术精神进行创作；艺术家们敏感地关注到工业和科技的发展给人类带来各种便利的同时也由此造成了一些新问题；同时他们深受20世纪以来各种社会思潮的影响；他们更多的吸收了东方和非洲的艺术风格。在他们的作品中，可以感觉到时代的快节奏；感觉到现代人的精神创伤和心理困惑；感觉到强烈的个人主义和虚无主义；同时他们又具有用现代美学成果和现代科技成就进行创作的探索精神。也就出现了象征主义、野兽派、表现主义和立体主义等。

　　象征主义是强调不以客观现实和观察为准，而以更富主观性的推理或情感想象为表现内容。象征主义艺术家本能地直觉到，深刻的真理不可能得到直接表现，而只能通过特定的象征、神话或情感氛围间接地表现出来。象征主义绘画努力追求不加说明的直接情感效果，认为情感与观念一致，线条与色彩一致。"形式之和谐与理念之合理的一致，决定了装饰之美与精神之美的一致"，而色彩则能达到思想的中心，综合的线条和色彩能够表现思想。在象征主义中，高更的绘画方法倾向于象征主义，因此也就影响了一些画家。被认为是象征主义主要代表的画家有：莫罗和雷东等。

　　莫罗是象征主义绘画的中心人物，他大胆地使用象征符号，而且不怕触及最怪诞的题材。他以描写神话和宗教题材的充满情欲的绘画著称，笔下的女性形象大多妖艳而邪恶，画中充满了异性的冲突、生与死的谜语、善与恶的寓意。莫罗作的《施洗约翰的头在显灵》，这幅画中披着薄纱和珠光宝气的莎乐美,手指着施洗约翰被斩下的头，鲜血淋漓。圣光四射的人头与莎乐美冷艳的人体互为映衬，创造出一种奇异的气氛：莎乐美的面容被描绘得庄严而严峻；淫荡的舞蹈，必然会唤醒年迈的希律王麻木的感觉，她那眼神集中、双目像一个梦游者那样瞪视，但她既不看颤抖着的小君主及她的母亲--那个残忍的希腊罗蒂，她此时正冷酷的凝视着莎乐美，而莎乐美则行若无事。画家把官能的美感和灵魂的恐怖感不可思议地结合在一起。画面的描绘极为细致，莎乐美身上的饰物和薄纱被画得极富质感，环境既真实又充满阴森可怖的神秘气氛。

  莫罗作品

　　雷东法国杰出的象征主义画家。从1870年直到他50岁的时候，他一直只用黑白两种颜色作画，他的木炭素描和平板画发展了一种非常独特的风格，画面带有强烈的梦幻色彩，人体或者人体的某一部分被和植物，动物或者诸如此类的东西揉合在一起。他的作品《独眼巨人》属于艺术创作第二时间，这幅画表现了希腊神话中有一位独眼巨人库克罗普斯，画面上这个独眼巨人正从地下爬出来，他用一只眼睛觊觎着深埋在地层里的一个裸体女性。这个裸体女性是欢乐的象征，但她似乎还在沉睡，巨人的野蛮凶猛的心灵中也依然存在着欲望和欢乐的要求。雷东用这个巨人的形象来象征生命的原始欲望的巨大力量。然而，与象征主义相比，表现主义对主观性的强调更其极端。同时也与凡高艺术最为接近的"主义"就是表现主义。

　雷东-《小姐的肖像》　

表现主义是把直觉看作是认识世界唯一的方法；在绘画方面，题材选用孤独的人生、内心的悲愤、极度的痛苦，艺术表现使用刺激的颜色、动荡的线条、粗野的轮廓、夸张的变形，表现一种阴暗、低沉、恐怖和神秘的气息。代表人物有蒙克、康定斯基等。

　　蒙克是一位伟大的挪威画家，现代表现主义绘画的先驱。他的绘画带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调。他最重要的作品《呐喊》，画面表现的是一个形似成形婴儿的小人张着口从桥上跑来,远景是海湾和落日景象，天空像滚动着的血红色波浪,令人感到震颤和恐怖,仿佛整个自然都在流血。蒙克后来在谈及此画时说:“我和两个朋友一起走着,夕阳西沉,天空变得像血一样红,我忽然无精打采,极度疲倦地止住脚步,黝黑色的海峡和道路显示着血与火一样的光舌。朋友走着,我却一个人停在那里因不安而颤抖着,我感到了自然强烈的呐喊。”他还有的作品：《病孩》、《母亲之死》和《在灵床旁》等。

　　康定斯基早期绘画，历经印象主义和新艺术运动装饰等各个阶段，但都以对色彩的感受为特征，许多是以叙事的童话性为特点的。这些童话，是他早年所感兴趣的俄罗斯民间故事和神话的怀旧。继印象主义之后的是搞新印象主义的图案和色彩，而后又在更加自由奔放的野兽主义里涉猎了一番。在《构图，2号》里，骑手和其它人物，已经变成色点或线条图案了。画面的空间，排列着颤动的、急速运动状的色块，故事也就淹没在这抽象的图案之中。此时，已经在吸取野兽派色彩组织含意的康定斯基，开始用从音乐那里得来的加标题的方法来表达意图，象“构图”、“即兴”、“抒情”等等。大约在1910年，他画了一幅粗野、激荡，色彩和线条形状相互穿插的水彩。从这幅画开始，所有的描绘性和联想性的要素似乎都不见了，大概这是抽象表现主义形式的第一个例子。这幅画是不是康定斯基画的第一幅全抽象绘画，看来这个问题似乎永远不会有答案了。但是，毫无疑问，是他给了这一类型的绘画以原动力。他运用了与音乐相类似的性质，发现了抽象表现主义的课题，这个课题就是：艺术家的意图，要通过线条和色彩、空间和运动，不要参照可见自然的任何东西，来表明一种精神上的反应或决断。在第一次涉足于抽象之后，就再继续坚持这个方向，但在1912年的作品《带黑色的弓形，154号》中，特定的主题和视觉的联想都消逝了。这幅画中所显示的猛烈冲突的动势和紧张，是色彩和形状的互相冲突和紧张，犹如某种星际大战似线条的冲突和紧张。从这一点出发，艺术家继续创作了一系列的抽象表现主义绘画杰作。在这里再介绍一下1914年他的大型季节系列画《秋》和《冬》。《秋》的色彩更为浓重得当。《冬》在小碎色块的加速运动和旋转、交错、飞溅式的线条方面更为活泼、生动。艺术家通过表现手法，甚至是抽象手法的描绘力量，提示了季节的某些特征。

　　到1920年，康定斯基还是继续以自由抽象的手法作画，这是他大约在1910年首创的。他在莫斯科追溯往日的岁月，他开始在一些绘画里搞规则形状、直线或几何曲线。1921年，还是接着搞几何图案，并进入了他生平的另一个主要阶段。康定斯基受过马列维奇、罗德琴柯的几何抽象和构成主义的影响，这可以说是毫无疑问的。尽管从自由形式变成了以规则、僵硬的线条勾边的彩色形状，但康定斯基的绘画依然保持着剧烈的节奏感，保持抽象形式的继续不断的冲突活动。《白线，232号》，是一件过渡性的作品，主要的色块，是以一种松散的和气氛性的手法来处理的。但这些色块被一种很强烈的直线条图案和规则的曲边色块所强调，使作品有一种受几何形控制的轻快感。圆是一个中心母题，从1920年代中期以来他就乐于此道。大概这是可以用来表现宇宙空间和星系的相互作用的主题，而且具有历久不衰的魅力吧。个人的抽象幻想，是他后来那些年的主要出发点。有时他把小而自由的形状，任意散布在统一的色彩背景上；但又一些时候，便回到一种尽可能少的要素安排，好象是在净化他的手法。康定斯基最后的一批绘画表明，现代艺术中一批最杰出、最有影响的人才。

　　野兽派不论在笔触、造型还是色彩运用上都越出了当时的画风常规，奔放狂野，被一位批评家诙谐的称作野兽群，野兽派由此得名。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。他们的领袖人物是马蒂斯，他学习东方绘画、非洲雕刻和工艺品的表现手法，主张用大色块和粗犷的线条构成变形夸张的形象，追求单纯化的装饰效果。

　　马蒂斯他的早期绘画曾受到塞尚、高更等人的影响。在经过了几种风格的尝试之后，他于1905年前后最终确立了自己的绘画风格。他通过主观的色彩而不是光和影来描绘物象。他说：“我把色彩用作感情的表达，而不是对自然进行抄袭。我使用最单纯的色彩。”他作画，偏爱用平涂的画法。他把绘画视为平面的装饰，而有意减弱画面的深度感和物象的体积感。同时，他根据感情的需要，将高纯度的平面色块在画中组合，使其形成冲突对比或平衡和谐的关系，产生音乐般的节奏。他的画，造型极其简炼，线条弯曲起伏，笔法轻松流畅，散发着儿童般的天真稚趣，萌发着生命的朝气。他的画，往往传达着某种欢快的情感，给人以视觉的享受。

　　他的这幅画《带绿色条纹的马蒂斯夫人像》充分反映了野兽主义画风的特点。虽然此画的色彩极其浓重和强烈，但整个画面却显得十分沉静。这里的色彩完全是主观感受的产物，而绝非客观的如实模仿。在这幅画中，马蒂斯在人物面部的正中央画了一道绿色粗线；这条线成了全画的核心。不仅整个脸部的造型结构紧紧依附着这道绿线，而且，画中诸多要素都是*这道线而得到统一和平衡。还有的作品有《生活的欢乐》、《红色中的和谐》等。

　　立体主义运动则通常可分为两个阶段。一个阶段是所谓分析立体主义。画家们继承塞尚对绘画结构进行理性分析的传统，试图通过对空间与物象的分解与重构，组建一种绘画性的空间及形体结构。进入第二阶段就是综合立体主义。此时在画中色彩起了有力的作用，但形体仍然支离破碎，只是更大和更富于装饰性。画家们新创出一种以实物来拼贴画面图形的艺术手法和语言，进一步加强了画面的肌理变化，并向人们提出了自然与绘画何者是现实，何者是幻觉的问题。立体派画家受到塞尚“用圆柱体、球体和圆锥体来处理自然”的思想启示。在画中色彩起了有力的作用，但形体仍然支离破碎，只是更大和更富于装饰性。画家们新创出一种以实物来拼贴画面图形的艺术手法和语言，进一步加强了画面的肌理变化，并向人们提出了自然与绘画何者是现实，何者是幻觉的问题。立体主义虽然是绘画上的风格，但对20世纪的雕塑和建筑也产生了深远的影响。立体派的代表人物还有毕加索、布拉克等。

　　立体主义重要创始人是毕加索，宣称要打破传统的时空概念，表现形体内在的看不到的结构；他在平面绘画中，把自然形体分解为几何切面，然后将他们相互重叠，极力夸张变形，任意组合或同时展现无数个面；客观世界在立体派的作品中是分裂的、肢解的、零散的，全然不顾对象的具体形态，因而，观众难以理解作品的具体内容。

　　毕加索在他内心世界处于苦闷和忧郁的时期，曾先后用蓝色和粉红色色调描绘贫困的残疾人、病患者、老人、孤独者、演员、江湖艺人、丑角等，被称为“蓝色时期”和“粉红色时期”还有“黑色时期。在“蓝色时期”的作品：《熨烫衣服的女人》、《两姐妹》等；在“粉色时期”的作品有：《扇子女人》、《马上的姑娘》等；在“黑人时期”的作品有：《土耳其装束的夫人》、《斯坦因画像》等。毕加索在其"粉色时期"中显得温和,甚至可说是温柔起来了。裸体,流动演出的喜剧演员,丑角,马戏场面使他有机会把手法变得轻快,把线条变得灵活,把变形加以强调。他的作品使人想到日本幽灵画家。其特点是一种娇柔的感情,含糊不定的笔触,杂乱的魅力以及并非肯定地放上去的,在颜色上精打细算,却几乎没有体积感的形。他还尝试把塞尚已经开始的对几何形结构美的追求推向极致，创作了颇有争议的、被认为是立体主义开端的《亚维农的少女》。
　　毕加索的《亚维农的少女》一画上，正面的脸上却画着侧面的鼻子，而侧面的脸上倒画着正面的眼睛。一般说来，《亚维农的少女》是第一件立体主义的作品，在此之后一两年，他的立体主义方法更趋成熟。《格尔尼卡》、《卡恩弗勒像》被认为是他分析立体主义的代表作。毕加索就是从事综合立体主义的创作的画家。

　　布拉克现代绘画大师，立体主义绘画创始人之一。立体主义抛弃了过去的一切视觉,恢复了绘画的自主,使画成为一种建筑,使对象成为某种比现实还要真实之物。在这一行动中,布拉克起了主要作用。他比所有其他的立体派画家更多地带来不可缩减的具体和一针见血的分析,带来少有的和谐色彩和他的任何同伴都无能为力的典雅流畅的线条。他的作品有《运鱼船》、《乐器》等。他就是分析立体主义的画家。

　　印象派对现代主义绘画的影响是巨大的，直到今天，印象派仍然在影响于我们。

引用

yzarts 的 儿童线造型绘画的审美导向指导

儿童线造型绘画的审美导向指导

线条是最幼稚的造型语汇，所有儿童的第一笔绘画都是用线条来表现的。线条又是最高级的造型语汇，德国艺术家保罗克利有句名言“用一根线条去散步”道出了线条的本质在于它的情感意味，即表达画家的精微感觉和细腻的情绪。近几年来，我国许多美术工作者都在探索培养儿童以线作画的途径。意在实施通过以线造型的线描写生的训练，达到培养儿童观察力、表现力、创造力等审美素质的全面提高。在线描写生的教学中，教师所表现出的审美导向常常存在着以下几个误区： R K T y-w*l9q.i

      误区之一，错将儿童简笔画替代线描写生。

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W:L;}0m"D F l n7B8F9?7L J       现在儿童简笔画中的形象都是成年人根据自己的意志，以简单的平面化图形表示的形象。严格的说这些形象只能算是一些符号。简笔画的造型方法不是抓住对象的形体结构规律，而是一些外形轮廓剪影式的拼凑。它违背了人认识事物的规律－从形体上熟悉某个事物进而认识它。人之所以在视觉上感到物体的存在，是因为物体由不同色相和亮度的色块组成，这些色块之间的界线就是人视觉感知的线，了是绘画中线产和一的理由。由些可见，线是有空间走向的，是和物体的结构线，而不仅是物体的轮廓线。只知道轮廓线而忽视结构线的画法是非常有害的，它直接阻碍了儿童对物体的理解，扰乱其认识客观世界的进程。6K!J O.@ l+b S&m

#`(R w N;W:X-g ]       我国的儿童受东方文化熏陶，对线有一种特殊的感情。教师就培养儿童学习以线条的形式，通过敏锐、正确、整体、概括的观察，采用写生的方式画出自己独特的感受和体会。而不是临摹大人的雷同、死板、没有错落，没有空间的简笔画。

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m p |/S d       误区之二，线描训练是无艺术加工的照搬照抄。

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v t F S d       现实生活中象山的纹路、田间的小道、杨柳的线条，天空的彩虹，有跨度的高压电线，节日夜空的烟火等等线条，都会给人们不同的美的感受。一些教师在指导儿童线描写生时，往往强调被写生物体是有形的物，而忽视物体的形式美，情感美。许多看似很平常的写生对象，通过线描写，画出来的却感到很有味道，这是因为作品中含有一些超过形本身以外的形式美。古今中外的艺术家早就注意到用不同的线条和恰当的形式作画，有利于表达自己不同的情感。所以教师应多引导儿童以一种艺术的眼光观察自然，观察客观世界，并善于从中发现形式美、艺术美。艺术美是美的典型形态，它比自然美更加强烈，更集中。以线去描绘大自然和生活中的线，不是看什么画什么，自然界中很多线是杂乱的，有美也有丑，作为艺术作品不能原封不动地照搬照抄，而应该有取舍，提炼加工。用夸张手法，强调特点，突出特征；用概括的手法抓住主要的线，放弃没用的线。一幅好的线描作品一定要有艺术加工，最好是多种手法并用。只有这样，线条的美感才能加强，画面也就显得生动活泼、耐人寻味了。

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      误区之三: 重一般描写，轻精细刻画

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9O b8@ i } a k       多数教师在指导儿童线描写生时，往往以专业的思想要求学 生，科学严格的透视、大量的解剖理论，追求酷似对象的造型观 念，严重挫伤了学生线描写生的积极性，扼杀了学生的创造力的 表现力，使儿童的线描作品千人一面，盲目乏味。 \ @ C k g

l)? A x ]1w D       在写生过程中，教师引导学生通过分析、比较、判断物象的基 本形状、基本比例、基本特征，把握对象大的感受和印象，并努力 保持住这种整体的感受和印象，大胆落笔画出物体的大关系。同 时要注重培养儿童在描绘局部时的精细观察、精细刻画的兴趣和 能力。细节是构成事物特征的重要部分，通过精细刻画，可以使儿 童对事物认识更深刻，可以使儿童在许多平凡的事物中发现美的 因素，培养正确的审美观。精细观察和精细刻画还可以克服儿童 粗心大意的坏习惯和对事物不求甚解的坏毛病。当然，局部的精 细刻画要照顾到全局，细节与整体的关系处理得好，作品才显得 完整、充分，近代画家徐悲鸿“致广大而尽精微”说得就是这个道 理。 E Q#\ ~ V

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      误区之四：线描作品中缺乏个性美的培养

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%P g!F8t$X"M       通过—段时间线描写生训练的儿童，初步掌握了以线造型的 手法，作品呈现出一种相对平淡的稳定性。教师在这一阶段应着 重培养儿童线描中个性美的表现。"V H {*V K8l,d q

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      首先，教师应提高儿童的眼力，加深儿童对线条这一艺术语 言的理解线的轻重缓急，光滑滞涩、清晰含混等品格；线的长短、 粗细、疏密、干湿、曲直、快慢等节奏的变化，都可以表现无限丰富 的情感层次。画家的笔法就是本人品格个性的再现。元朝倪云林 的线枯涩中见丰润、疏落中见遒劲，表现了作者的飘逸和空灵。晋 代顾恺之线条，敛约娴静、反映画家内向、深思的性格；唐吴道子 的线条豪放飘洒，用力不一，迅速难以捉摸，反映作者奔放、雄浑 的气质。西方艺术大师也是如此，达·芬奇冷静、准确的线条，表 现出艺术家精确、理性的个性。凡高作品中弯曲、动荡的线条、反 映画家急躁冲动的天性；德拉克洛瓦奔放有力的线反映了画家激 昂热情的性格。让儿童从小就接触经典，开阔眼界，有利于他们能 更加敏感地感知和选择线，并自觉地流露到写生中去。 %~-X0^)n/\ k%g#d

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      第二，教师要给儿童个性发展的空间，儿童的个性差异很大， 有的粗扩，有的细腻，有的娴静，有的活泼，表现在作品中有的奔 放快畅，画大感觉。有的画风细致，处处得当，教师不要以统一标 准去评价和规范他们。要善于鼓励和引导、发挥他们个性上的优 点，并成功地体现到作品中去，使他们的线描作品具有一种特质 的个性美。 W+n-V E] C @6_

(e S w7U j U }       误区之五；忽视儿童的身心发展规律

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      儿童自觉绘画现象表明：抒情达意式的表现性绘画是低幼段 儿童美术活动的主要特征。同时以线性为表现方式。这阶段的儿 童美术活动主要体现为游戏性。教师应做到以下几点：1、以幼儿 喜欢的，身边的实物为写生对象，激发幼儿绘画写生的兴趣，鼓励 幼儿自己做主人。2、以浅人手，由简人繁，培养幼儿的观察力、注意力和表现力。3、在生动活泼的线描游戏中，自然融合分析，训练记忆想象能力。

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      儿童进人中高年级后，他们不再满足早期“涂鸦”，其思维和认识开始羽翼渐丰，表现理念逐渐进人客观写实期，具备了较细致深人地观察、物象与描绘物象的能力。教师应将做到：1、在强调 观察的基础上由浅入深地讲授美术基础知识。2、作业练习并不要求进行专业化的造型训练、写生主要靠直观感受表现对象特征， 如线的种类、线的排列秩序等，3、用线精细刻画，并初步了解形的夸强，变化和装饰等手法。4、进人生活，给学生以自我发挥的空 间，培养个性特征及其创造能力。

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      那种无视儿童身心发展规律，以一种成人化的模式安排写生 的教法只会使儿童失去对线描写生的兴趣。

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3e I;|!n T#X w       罗丹说：“美，无处不在，重要的是你的发现！”儿童通过线描写生的训练，缩短了生活与美的距离，最终达到懂得美、发现美、 欣赏美和表现美的审美素质。

引用

亚亚 的 美国现代著名画家威特肯

威特肯（William Whitaker）美国现代著名画家，擅长以饱含情韵的笔触描绘梦幻般的少妇形象。

　　他的作品，无处不在追求美的发现，无论是油画还是素描，无论是少妇裸体还是自然绘画，都是精益求精，认真严谨，色彩丰富，柔美虚幻，给人一种清新淡雅的美的享受。

    我个人的感觉，他的作品有点接近20世纪初萨金特的风格，也有点像瑞典画家佐恩的。都是属于造型严谨，形象生动美丽，色彩真实而绚丽，用笔生动流畅，技巧极其娴熟的那种画家。有人觉得这样的画法有点商业化的倾向，比较甜美。我倒是觉得这也是正常的。，画家也是人，作品画的如果卖不掉，就一定是好作品吗？有些把人物画得非常丑的作品也不一定就是好画。艺术作品也是要经过实践的检验的。好不好，各人喜欢大家看。

 

 

 在他笔下的少女与儿童，形象都是那么的清纯可爱。

此画很好的运用了素描与色彩的技巧，把蜡烛光表现的十分美丽，表现了少女对光明的热爱。

 

 

  早餐前的祈祷。

有首钢琴曲的名字就叫《少女的祈祷》，小女孩掂着脚，手捧着咖啡杯，正在向上帝祷告。周围的环境虽然不太整齐，看起来却也非常丰盛，有鲜花，玩具，水果。表现了孩子从小就有一颗感恩赞美的心。

周围所有的色彩都比较灰，暗，中间女孩子的衣服最亮。周围都是鲜花玩具，水果，不但表现了沉浸在那美好的环境里，而且也使背景不闷。那胖嘟嘟的脸和手，使人觉得十分可爱。

 

 

从专业角度来看，这幅头像无论是解剖结构，空间造型，还是色彩的表现力，都很精彩。可说是形神兼备了。瞧那双眼睛！画得十分传神，又非常准确，立体感很强烈。而用笔又十分到位，不死板。

 

 小男孩的肤色没有一笔是白色的，而看起来还是很白的肉色。。脸与帽沿从正前面到两面边缘的色彩，由亮到暗的推移转换，虚实关系全靠一排排的用笔，不腻不乱。颇见功力。五管的刻画非常精确，却无雕凿的痕迹。水灵灵的皮肤质感表现得真叫人喜欢。

大家还看到，衣服上的那两笔黑色的背带，并不像古典画那样画得细，而是保留了原始起稿时的样子，这在现代绘画里经常可以看到，这样的粗与主要部分的细就形成了对比。显得轻松与洒脱。这也是一种绘画性。否则真的是和照片没有什么两样了。

  

 

 头，手认真严谨的刻画，使人感受到了母子情深的真实感

 

  这幅画上逆光冷暖色彩的运用，使画面非常美丽。脸上那一 束暖光是不太容易处理的。但一切都被画家娴熟的技巧解决了。他画眼睛的本领很大，眼球被眼皮包裹着，立体感很强，水汪汪的。

 

 

 

人的皮肤色彩是最难表现的。它是由丰富的灰色组成的。而不是由“肉色”加什么颜色调出来的。请看这双手和脚，它就是灰的，由于不同的人种，不同的年龄，不同的光线和环境，色彩也就会发生复杂的变化。有人说我们中国有些画家，画人体的色彩，什么都像，就是不像肉的颜色。是啊，多看看外国好的作品，我们就能看到我们的不足了。

 

这幅农家孩子的画，画的非常生动活泼。

构图上，通过羊与孩子手的配合，使画面组成了一个圈子。一种其乐融融的气氛就出来了。画面上羊和女孩子比较亮，其它部分暗，突出了主题。左下方椅子上的白娃娃是为了与右边女孩起呼应作用的。如果没有那一点白的，构图上就会失去均衡。

再看那只羊，不但是造型正确生动，笔触也用的很好，把羊毛的质感表现得十分精彩。

 

 

 U字形构图

 

 

 底下的一排砖头，色彩也十分丰富，质感很好，用笔却不乱。

请看，男孩的肩膀与脚是清楚的，而小PP却有意的将轮廓模糊了。这里，主次关系和节奏感都处理得十分巧妙。

 

 

 

 可爱的小嘴巴和小脚丫。

 

   所有的人都非常投入，动态与神态的精彩刻画烘托了热烈的气氛。连光滑的旧木地板都画的这么好，远近的空间感表现得很充分。

注意一下女孩子的脚，他是有意画的如此虚的。以表现脚的动感。

 

 

 

这些人体习作，通过很舒服的色调以及准确生动的造型，把优美，健康呈现给观众。

 

 

 

 

  陶醉在音乐的世界里了。注意这双手的刻画。很逼真，却是画出来的。

 

 很美吧？

 下面这些肖像作品可能是应客户的订单画的。我想，应该都画的很像。这也许就是有人说的，有商业味道吧。

我觉得，能把肖像画的形神兼备，不故作姿态。又能换饭吃，这是本事。如果也像我们一些画家，把模特画的三分像人，七分像鬼，那去喝西北风吧！

 

 

 

 

 

 

 

 连脚丫子都画得这么有血有肉，那么的美！

 

看他的素描基本功，也是很不错的。

 

艺术作品的表现题材、技法应该是多种多样的。我介绍和欣赏威特肯的画，并不认为这是最好的方法。

他山之石，可以攻玉。在扎实的基本功这一点上，我觉得我们还是应该向这样的作品学习的。

 他的作品还有很多，（近200幅）想看更多，请看我的相册第3集

http://wxa45.blog.163.com/album/edit/#p1

 

 

引用

咖啡&香烟 的 『原创』男人风流的最高境界

经常有男人一兴奋便会得意地讲自己的艳史。不过许多吹嘘自己身经百战的男人，都只知道在数量上强调自己的业绩。我就听过一个几乎走遍全球的大款说自己的风流事，不过听完才知道他那些引以为傲的经历原来只是小儿科。事实上，他根本就没风流过，完全只是在各种不同地方向不同女人花钱出售体力。

真正风流的男人一般是不会去嫖妓的，嫖妓的人通常都是性压抑或性饥渴者，他们是用消耗体力的方式来满足生理需求。风流男人与女人交往重在一个情字上，他们追求的是质量；假风流男人则只为一个泄字，追求的是数量。有男人说“情”很麻烦很累，而“泄”简单干脆。这也倒是实话，可问题是男女之事不麻烦不累仅简单和干脆，那种掏心掏肺的韵味和感觉又怎能体现呢?

现在有些男人是这样，他们花钱去玩女人，然后还很得意地标榜自己是“沟女”高手，是经历过很多女人的情圣。谁都知道花钱找的女人根本不是完整的女人，她们除了给你肉体，很统一的特征是没有真情。古今中外的嫖客与妓女都只是一种商业关系，甚至很多被逼做妓女的女性还会从骨子里蔑视嫖客。在这种男女关系中，很难体会到相爱的那种心跳，因而也无法对心灵形成抚慰。

也许有些男人在市场竞争的挣扎中，已掏空了自己的全部精力，可能他们会说：我没有更多的时间儿女情长，所以也不想和女人讲什么真情！这的确是当今社会很严重的现象，男人的“忙”从字面上解是心死。即使某些男人还没有忙死，但也几乎忙得失去了爱的能力。幸好目前男人还没有完全失去对女人的兴趣，极忙的男人也能在壮阳药的支持下浮起性的渴望。

这种用钱消磨体力和满足性欲的行为已经不是风流，这种人如果再标榜自己是风流情圣，那真的是脸厚和可笑。真正风流的男人往往在情场上并不张扬，他们喜欢不露声色地观察目标。老练的情场高手很从容，有一种让人不容易发现的淡定。他们非常明白与什么样的女人可以碰出火花，有时甚至根本不说一个爱字也能使女人心动不已。

这种男人看上去很自然，仿佛很透明，同时能洞察各种女性微妙的情绪变化。最厉害的风流种能将女人心中散乱的感觉进行重组，会在突然间让女人看到自己从未发现的优势。许多女人会感到他身上发光的引力，会在一种难言的状态中让自己的心随他而颤动。

很成熟的风流男人往往非常简单，他们像孩子似的单纯，可当与对路的女人碰撞时，却能在瞬间制造疯狂和浪漫。

小宇宙语:

风流是男人与生俱来的，是否认与遮掩的事实。因此有对于"风流"的最高境界一直都有很多的定义,像什么"万般花丛过,片叶不沾身","男人要风流不要下流"之类的言论,被不少男人奉为经典.而上文只不过是其中之一的说法。但无论是哪种类型的最高境界,都要求懂得欣赏与呵护女性之美，让她感到幸福,方不负风流之名！

风流男人教室开班授课

本次讲解内容: 男人是要风流还是要下流？

当今男人，风流与下流两组词总得沾一样。琢磨半天，得一结论——好男人要风流，坏男人要下流。

谈风流

在初中课本中有一篇毛主席的诗词中写到“数风人物还看今朝”。当时学生问老师，什么叫风流？老师给我们的定义是好男人，做大事的男人都算是风流人物，后来还给我们一一举例，从刘邦项羽开始聊起一直谈到伟大领袖毛主席这些都是风流人物。所谓风流倜傥就是在指这些人，他们的气质与谈吐往往能感官的让别人知道什么是男人魅力。

谈下流

同学继续向老师发问，那么下流的人又是什么样子，起先老师没有给我们答案，直到有一天一位高年纪的男同学的一本黄色杂志被老师发现，被公开批评后，我们的老班开始高谈论阔下流两个字，并一而再，再而三的叮嘱我们不要在学校里面做下流的事情，否则后果自负。现在最经常看到这两个字的时候大多数都是在报纸中的花边新闻里看到的。

谈差距

其实两者并没有太大的差距，只是面对的人不一样罢了，你是一个伟大，做除了无比伟大的事情，被许多人认可，自己的社会地位与身份的提高，让自己有了做个风流人物的资格，然后就要尽可能的展示自己，吸引异性，要花花草草主动的来到风流男人的床边。康熙皇帝如此的风流，做了多少常人不敢想的事情，可我不敢想的不是他的功绩有多么的伟大，而是他那么多女人怎么照顾的过来，等到他驾崩的那一天他还能记得谁呢？下流的男人也是男人，与风流的男人一样有着同样的需要，可是由于社会地位的不同，他们就算是做出一点点不雅的事情都叫下流，甚至见到美女多看两眼都会被别人报警，也许这就是差距。

谈观点

好男人要风流，坏男人要下流一点不错，是男人总得占一样，否则自己没人要。也许男人的个人魅力正是在此，都知道世间男人总情人最多的无非是所谓风流的好男人以及所以下流的坏男人，因为在他们这两群人的身边是不缺乏异性的。

谈自己

可惜了自己，两者都不沾，被人说成没有个性的男人，所以在自己的感情世界里，是绝对没有成群结对的异性在我身边出现，自己总想往这两群人的任何一群里靠，可是仿佛都容纳不下一个不风流亦不下流的男人存在这个群体中，尴尬的被排挤了出来。

后言：看来做男人总得沾一样，否则太难做了。

可后总结:

成功的人有两种一是做别人没有做过的事，二是把别人做的事做的更好。

劣质的风流就是下流，优质的下流就是风流！

唐百虎，时人看着是下流，今人评论很风流。

和绅下流乎？风流乎？假如是下流，聪明的乾隆皇帝会容的下？

马克思的《共 产党宣言》促进了社会的进步，昔日的资本家何等的贪婪，社会主义制度的出现，迫使资产阶级作出让步，才使得今日的美国等日益繁荣。2000年英国推荐100名最伟大的历史人物时，马克思排名第一。

鲁迅、浩然自不必说，绝对的风流。两位先生的作品，影响了几代人，至少影响了中国当时的社会，造就了大批的文化人。

男人几乎都想风流，只是智商、运气、环境奈何了他们。

伟人必定风流，风流不一定是伟人。你自己做的事情，能为大家乐意接受，尽管非常平凡，只要不被后人嘲笑，这就是风流。

引用

langxiaolei06 的 俄罗斯风景油画

俄罗斯风景油画

油画技法 油画工具材料的限定导致油画绘制技法的复杂性。几个世纪以来，艺术家在实践中创造了多种油画技法，使油画材料发挥出充分的表现效果。油画主要技法有：

① 透明覆色法 ，即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色,由于每层的颜色都较稀薄,下层的颜色能隐约透露出来，与上层的颜色形成变化微妙的色调。例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色，就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果，这往往是调色板上无法调出的色调。这种画法适于表现物象的质感和厚实感，尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化，令人感到肌肤表皮之下流动着血液。它的缺点是色域较窄，制作过程工细，完成作品的时间长，不易于表达画家即时的艺术创作情感。

② 不透明覆色法，也称多层次着色法。 作画时先用单色画出形体大貌,然后用颜色多层次塑造,暗部往往画得较薄，中间调子和亮部则层层厚涂，或盖或留，形成色块对比。由于厚薄不一，显出色彩的丰富韵意与肌理。透明与不透明两种画法没有严格的区别，画家经常在一幅画作中综合运用。表现处在暗部或阴影中的物象时，用透明覆色法可以产生稳定、深邃的体积感和空间感；不透明覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体，增加画面色彩的饱和度。19世纪以前的画家大都采用这两种画法，制作作品的时间一般较长，有的画完一层后经长期放置，待色层完全干透后再进行描绘。

③ 不透明一次着色法，也称为直接着色法。 即在画布上作出物象形体轮廓后，凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色,基本上一次画完,不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚,色彩饱和度高,笔触也较清晰，易于表达作画时的生动感受。19世纪中叶后的许多画家较多采用这种画法。为使一次着色后达到色层饱满的效果，必须讲究笔势的运用即涂法，常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂绘成大面积色彩，适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体；散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔，笔触比较松散、灵活；厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料，有的形成高达数毫米的色层或色块，使颜料表现出质地的趣味，形象也得到强化。

作为一种艺术语言，油画包括色彩、明暗、 线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素 ，油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地体现出来，油画材料的性能充分提供了在二度的平面底子上运用油画技法的可能。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容，又展示了油画语言独特油画的发展过程经历了古典、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现出不同的面貌。
俄罗斯风景油画上的微波探测仪是世界上首次在探月卫星上装载微波遥感装置，用以实现对月面更为细致深入的探测，并将对所发回的数据进行反演和解析。不过，由于月球远离地球，对月球进行微波遥感探测有很大的技术难度和一定的风险。为确保探测成功和能稳定地发回数据，现正加强对月球微波遥感的地面仿真研究，在借鉴以往经验的基础上做相应的技术改进。

俄罗斯风景油画 绘画技巧和方法 　　挫
挫是用油画笔的根部落笔着色的方法，按下笔后稍作挫动然后提起，如书法的逆锋行笔，苍劲结实。笔尖与笔根蘸取颜色的差异、按笔的轻重方向不同能产生多种变化和趣味。

　　拍
用宽的油画笔或扇形笔蘸色后在画面上轻轻拍打的技法称为拍。拍能产生一定的起伏肌理，既不十分明显，又不致过于简单，也可处理原先太强的笔触或色彩，使其减弱。

　　揉
揉是指把画面上两种或几种不同的颜色用笔直接操合的方法，颜色操合后产生自然的混合变化，获得微妙而鲜明的色彩及明暗对比，并可起到过渡衔接的作用。

　　线
线是指用笔勾画的线条，油画勾线一般用软毫的尖头绪，但在不同的风格中，圆头、校形和旧的扁笔也可勾画出类似书强中锋般的浑厚线条。东西方绘画开始时都是用线造型的，在早加油画中通常都以精确严谨的线条轮廓起稿，坦培拉技法中排线法是形成明暗的主要手段。西方油画到后来才演变为以明暗和体首为主，但尽管如此，油画中线的因素也从未消失过。纤细、豪放。工整或随意不拘以及反复交错叠压的各种线条运用，使油画语言更为丰富，不同形体边线的处理更是十分重要。东方绘画的用线也影响了很多西方现代大师的风格，如马蒂斯、凡高、毕加索、米罗和克利等都是用线的高手。

　　扫
扫常用来衔接两个邻接的色块，使之不太生硬，趁颜色未干时以干净的扇形笔轻轻扫掠就可达到此目的。也可在底层色上用笔将另一种颜色扫上去来产生上下交错、松动而不腻死的色彩效果。

　　跺
指用硬的猪鬃画笔蘸色后以笔的头部垂直地将颜料跺在画面上。跺的方法不很常用，通常只在局部需要特殊肌理的时候才应用。

引用

阿惠 的 比尔盖茨说过的十条“金玉良言”

 

        1 . 社会充满不公平现象。你先不要想去改造它，

           只能先适应它。（因为你管不了它）。

        2 . 世界不会在意你的自尊，人们看的只是你的成就。在你没有成就以前，切勿过分强调自尊。

（因为你越强调自尊，越对你不利）。

        3 . 你只是中学毕业，通常不会成为CEO，直到你把CEO职位拿到手为止。

（直到此时，人们才不会介意你只是中学毕业）。

        4 . 当你陷入人为困境时，不要抱怨，你只能默默地吸取教训。

（你要悄悄地振作起来，重新奋起）。 

        5 . 你要懂得：在没有你之前，你的父母并不像现在这样“乏味”。

你应该想到，这是他们为了抚养你所付出的巨大代价。

（你永远要感恩和孝敬他们，才是硬道理）。

        6 . 在学校里，你考第几已不是那么重要，但进入社会却不然。

不管你去到哪里，都要分等排名。

（社会、公司要排名次，是常见的事，要鼓起勇气竞争才对）。

7 . 学校里有节假日，到公司打工则不然，

你几乎不能休息，很少能轻松地过节假日。

（否则你职业生涯中一起跑就落后了，甚至会让你永远落后）。

8 . 在学校，老师会帮助你学习，到公司却不会。

如果你认为学校的老师要求你很严格，那是你还没有进入公司打工。

因为，如果公司对你不严厉，你就要失业了。

（你必须清醒地认识到：公司比学校更要严格要求自己）。

9 . 人们都喜欢看电视剧，但你不要看，那并不是你的生活。

只要在公司工作，你是无暇看电视剧的。

（奉劝你不要看，否则你走上看电视连续剧之路，而且看得津津有味，那你将失去成功的资格）。

10 . 永远不要在背后批评别人，尤其不能批评你的老板无知、刻薄和无能。

（因为这样的心态，会使你走上坎坷艰难的成长之路）。

 

从前有两只小猪，整天过着无忧无虑的生活，他们互相相爱着。每天主人送来吃的时候，公猪总是先让母猪吃,等她吃饱了再上去吃母猪吃剩下的东西，每天晚上公猪总是给母猪放哨，他生怕主人乘他们熟睡时把母猪拉出去宰了。

日子一天天地过去，母猪日渐长胖，而公猪则一天天瘦下去。有一天，公猪突然听见主人在跟屠夫商量，要把长势见长的母猪杀了给卖掉，公猪伤心至极。于是从那天开始公猪性情大变，每当主人送吃来时公猪总抢上去把东西吃得一干二净，每天吃后便躺下大睡，并且告诉母猪现在换她来放哨，如果他发现她没放哨的话就再也不理她。

渐渐地日子一天天过去，母猪觉得公猪越来越不在乎她，母猪失望了，而公猪还是若无其事地过着安乐日子．很快一个月过去了，主人带着屠夫来到猪圈，他发现一个月前肥肥壮壮的母猪瘦得没剩下多少肉，而公猪则长得油光发亮．这时公猪拼命地奔跑，想引起主人的注意，表明他是头健康的猪。

终于，屠夫把公猪拖出猪圈的那一刻，公猪朝着母猪笑着说："以后别吃这么多！"母猪伤心欲绝，拼命地冲出去，但圈门被主人关上了，搁着栅栏，母猪看着眼里闪着泪光的公猪。那晚，母猪望着主人一家开心地吃着猪肉，伤心地躺倒在以前公猪每天睡的地方，突然她发现墙上有行字：

"如果爱无法用言语来表达，我愿意用生命来证明！"

母猪看到这行字肝肠寸断，人类听到这个凄美的爱情故事也无不为之动容，女孩们为了纪念这段爱情，开始流行减肥。。。。。。       

引用

雄颐 的 世界名画精选

世界名画精选

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

风车

第二名 孤山             

第三名 蝇头             

第四名 白玫瑰                      

第五名 归家的路      

第六名 孤舟                       

第七名 Morgana 　            

第八名 天使之光                        

第九名 最后一滴       

第十名 日落中的孤寂

委拉斯贵兹(待女)

他象个舞台调度巧妙运用了,画面空间和画外空间来表现主体,早在十八世纪画家就着手研究立体多维空间的再现.

塞尚(静物)

他是立体派的先驱,他创造了--反透视法,中国古人在画面上也常常用到--散点透视,这是后人的叫法,我称其为--限定空间.

毕卡索(穿衬衫的夫人)

他运用了多维限定空间的表现方法,回避人眼的偏面性,完美的表现了物体下上,左右,前后的三维空间整体关系.

物体不动,画者在动,在不同角度提取描绘(打乱组合)是立体画派的主要特点.